Candyman 'hace puntos confusos sobre el trauma negro

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Yahya Abdul-Mateen II enel hombre de los dulces.



Al principio deNuestro DaCostael hombre de los dulces, Anthony (Yahya Abdul-Mateen II), la estrella de la película, está conversando con su novia, Brianna (Teyonah Parris), su hermano, Troy (Nathan Stewart-Jarrett), y el nuevo novio de su hermano, Grady (Kyle Kaminsky). , sobre la gentrificación. Específicamente, están describiendo el área de Chicago donde se encontraban los proyectos de viviendas de gran altura Cabrini-Green antes de que la mayoría de los edificios fueran destruidos en los años 90. Los blancos construyeron el gueto y luego lo borraron cuando se dieron cuenta de que lo habían construido, dice Brianna. Todo está embrujado, dice Anthony. Este diálogo es representativo de la película en su conjunto: observaciones trilladas y charla moralista y rígida. Cuando una película tiene una trama que se basa en un asesino que difunde el miedo de boca en boca, lo que quieres es ser conmovido por los ritmos de la buena escritura: un lenguaje aireado que deja suficiente espacio para que el diseño de sonido subraye sus insinuaciones y frases como un discurso abierto. ventana que no recordabas haber dejado levantada, sus cortinas colgando con la brisa, el viento de cola arrastrándose directamente hacia tu subconsciente. En lugar de un diálogo que inspira miedo, los espectadores de este nuevoel hombre de los dulcesobtener un discurso exagerado.

Este diálogo es representativo de la película en su conjunto: observaciones trilladas y charla moralista y rígida.

Esta película tenía mucho potencial. En el corazón de DaCostael hombre de los dulcesreiniciar es el acto de invocación, como en la película original de Bernard Rose de 1992 del mismo nombre. La forma de convocar a Candyman, la leyenda urbana que acecha a Cabrini-Green, es decir su nombre cinco veces mientras se mira en un espejo. Una vez llamado, corta a la gente con su gancho. Los guionistas DaCosta, Win Rosenfeld y Jordan Peele (quien también produce) revisan la premisa (e incluso algunos personajes) del original, pero su compromiso se siente menos revelador a pesar del director estrella en ascenso de la película (DaCosta es actualmente filmando una película de Marvel ); El respaldo de Peele; un buen reparto con Mateen, Parris y Colman Domingo; y una crítica a la brutalidad policial que incluye la repetición de decir su nombre, una frase que hace referencia tanto a la brutalidad de Candyman como a un dicho que honra a las víctimas de asesinatos policiales. Y, sin embargo, la película se parece un poco a las escenas de los títeres de sombras, que es uno de sus motivos principales: temáticamente, es unidimensional, su poder se presenta visualmente pero no se siente realmente.



El guión se basa en gran medida en la información introducida en la película de Rose, que a su vez se inspiró en el cuento The Forbidden de Clive Barker de 1985. La historia de Barker está ambientada en una urbanización pública de Liverpool y concierne a Helen, una estudiante de posgrado, que va allí para estudiar sus grafitis, un tema que fusiona sus intereses en sociología y estética. La película de Rose transpone el tema de la clase al del racismo institucional y el folclore y traslada la acción de Inglaterra a los proyectos Cabrini-Green de Chicago, el sitio que los estadounidenses en ese momento asociaban con crímenes violentos y una serie de asesinatos horripilantes que acapararon titulares. (En un 1986 Artículo del Chicago Tribune , los escritores se centraron en áreas frecuentadas por la violencia de las pandillas).

Tristar Pictures / © TriStar Pictures / cortesía Colección Everett



Virginia Madsen y Kasi Lemmons protagonizan la década de 1992el hombre de los dulces.

En el originalel hombre de los dulces,Helen Lyle (Virginia Madsen) es una antropóloga cultural blanca y estudiante de doctorado que coescribe una tesis sobre leyendas urbanas con Bernadette (Kasi Lemmons), una colega negra. A través de su investigación, se entera de Candyman, el espíritu torturado de Daniel Robitaille (Tony Todd), un hombre negro cuyo padre, una vez esclavizado, se hizo rico después de la Guerra Civil. Criado con dinero y más privilegios que la mayoría de los negros de su época, Robitaille se convirtió en un artista célebre y se enamoró de una mujer blanca cuyo retrato fue contratado para pintar. Después de que la mujer quedó embarazada, su padre incitó a una manada de gamberros a atacarlo. Lo que sucedió a continuación fue grotesco, pero no muy diferente de torturas similares realizadas por turbas de linchamiento blanco: lo persiguieron hasta Cabrini-Green, le cortaron la mano y la reemplazaron con un gancho, lo desnudaron, frotaron miel por todo el cuerpo, desataron una colmena de abejas que lo picaron hasta la muerte y quemaron su cuerpo en una pira. Posteriormente, esparcieron sus cenizas por el suelo que se convirtió en Cabrini-Green.

Inquieto por el trauma de su desaparición indecorosa, Robitaille regresa como Candyman y persigue a aquellos que se atreven a llamarlo desde el reino de los espíritus. A Helen le fascina la historia y se obsesiona con demostrar su veracidad. Ella va a los proyectos para tomar fotos, entrevistar a los residentes sobre la leyenda y deslizarse por el apartamento embrujado donde apuñalaron a una joven. En el camino, rompe fronteras, viola la confianza de sus fuentes y entra en las casas de la gente sin ser invitada. Pronto, se encuentra con Candyman y se enreda totalmente en la narrativa, convirtiéndose en una participante involuntaria en la espeluznante historia de la fogata. Soy la escritura en la pared, el susurro en el aula. Sin estas cosas, no soy nada, le dice Candyman antes de enlistarla para que haga algunas de sus órdenes. Helen finalmente es incriminada por el secuestro del bebé de Anne-Marie (Vanessa Estelle Williams), residente de Cabrini-Green, y su vida se sale de control, incluso si se convierte en una especie de héroe al final de la película.



La película original interroga la ingenuidad académica y el fetichismo y los invasores, aunque bien intencionados, salvadores blancos; presenta un compromiso provocador (aunque confuso) con las leyes contra el mestizaje y los linchamientos; y muestra a los negros que vivieron en la versión ficticia de Cabrini-Green como inteligentes, compasivos e ingeniosos, a pesar de que fueron sometidos y conmovidos por la violencia ejercida por Candyman y el abandono de su comunidad por parte de la ciudad y sus servicios. (La línea directa del 911, que no responde a sus emergencias, también es denunciada algunas veces).

Si el mito de Candyman y otras leyendas son el reflejo inconsciente de los miedos de la sociedad urbana, como le dice a su clase el esposo de Helen, Trevor (Xander Berkeley), entonces la película de Rose describe de manera convincente esos miedos, utilizando el motivo del espejo de manera atrevida. Después de todo, Candyman habla de los temores de los negros, pero un hombre negro que empuña un arma en busca de venganza también ha sido un avatar de las ansiedades estadounidenses blancas. La versión de Rose también ilustra cómo el trauma y los programas de renovación urbana conducen al aislamiento sociológico e interpersonal. El gueto puede ser o no una colonia interna (ya que muchos eruditos, incluidos Padre de Kamala Harris , han debatido), pero en esta película, sus residentes son islas de uno. Mucho antes de que haya tenido lugar la acción de la película, la puesta en escena sugiere que un individualismo deprimente ha afectado durante mucho tiempo a los residentes de Cabrini-Green, uno que es tan desmoralizador como el asesino. Ver a los vecinos navegar la vida solos en monolitos de hormigón es increíblemente escalofriante; la única vez que la gente se reúne es para quemar muebles viejos en una hoguera. El primeroel hombre de los dulceses realmente conmovedor en la forma en que muestra a los residentes de Cabrini abandonándose unos a otros. (Lo más desgarrador de la película es que un niño llamado Jake, interpretado por DeJuan Guy, deambula por Cabrini-Green solo, asustado por Candyman, la policía y las pandillas).

En la versión de DaCosta, el final trágico, si bien merecido, de Helen se ha convertido en sí mismo en un cuento popular, pero los detalles se han aplanado; las personas que no presenciaron lo que sucedió no tienen conocimiento de la verdad. Anthony McCoy, que tiene poco más de 20 años, es una de esas personas. Es un pintor prometedor que es presionado por su marchante de arte para sensacionalizar su negritud al mismo tiempo que crea un trabajo que mira hacia el futuro. Quiero la gran esperanza negra de la escena artística de Chicago del mañana, le dice el marchante a Anthony. Estimulado por su galerista, Anthony investiga el mito de Candyman que ha escuchado e incorpora algunos de los mitos en su trabajo.

La película es más nítida cuando conecta los intereses de mala fe de las figuras del establishment, algunos negros, otros blancos, con la violencia física real infligida a los negros.

Brianna cura una exposición e incluye el proyecto inspirado en Candyman de Anthony junto con el arte de Torkwase Dyson y Theaster Gates, artistas de Chicago de la vida real cuyo trabajo es a menudo específico del sitio, con Dyson incorporando arquitectura y Gates incorporando la práctica social. La contribución de Anthony es una instalación multimedia interactiva que mezcla pintura y escultura e incluye un agujero en la pared y un espejo, emblemas de la iconografía del asesino. Estoy tratando de alinear estos momentos en el tiempo que existen en el mismo lugar. La idea es calibrar casi la tragedia en un linaje enfocado que culmine en el ahora, le dice a un crítico, mientras ella evalúa a medias su instalación. El espejo te invita a intentar la invocación tú mismo.

Él está en una película de terror, por supuesto, por lo que la tragedia no se puede calibrar tan fácilmente y no se puede moldear ordenadamente en un linaje enfocado. A través de su compromiso con la pieza de Anthony, la gente comienza a llamar a Candyman y se produce una ola de asesinatos. Aunque la invocación al espejo los une a todos, las tragedias son inexplicablemente aleatorias.

Si bien la violencia física se intensifica, la película parece estar igualmente interesada en la agresión del mundo del arte que ocurre junto a ella. El galerista hacky de Anthony lo presiona para que se convierta en token, y los guardianes de la industria de la ciudad de Nueva York y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago patrocinan a Brianna y explotan su conexión con Anthony, quien se vuelve famoso después de los asesinatos. Como para llevar a casa el punto sobre la fetichización de la mortalidad negra, el crítico que criticó la pieza Candyman de Anthony vuelve a comprometerse con sus ideas después de que los cuerpos comienzan a acumularse. La película es más nítida aquí, cuando conecta los intereses de mala fe de las figuras del establishment, algunos negros, otros blancos, con la violencia física real infligida a los negros. Más concretamente, es bueno para criticar las formas en que las muertes, y no las vidas de los negros, el espectáculo, no la especificidad de las experiencias individuales de las personas, resultan más interesantes para los hacedores de reyes. De esa manera, al igual que su predecesor, DaCosta'sel hombre de los dulcesofrece una forma fascinante de pensar sobre el aislamiento y el individualismo; en este caso, el mito del artista negro exitoso y aislado solo en el cubo blanco con un telón de fondo de curadores de tonos similares.

La historia del mundo del arte comienza a desgastarse después de un tiempo, en parte porque no hay mucho con qué contrastarla. La película original yuxtapone las debilidades de Helen al investigar su tesis y burlarse de la academia con sus entrevistas a los residentes de Cabrini-Green. Por cada conversación cargada entre Helen y Bernadette, una toma del marido de Helen exaltando leyendas urbanas en una sala de conferencias, o una cena insular en la que los antropólogos blancos se asustan entre sí a la luz de las velas y el humo del cigarrillo, hay una escena con Anne-Marie o Jake. Esta película, como la original, trata en parte sobre las diferencias en la socialidad estadounidense en blanco y negro y contrasta las formas en que las personas se acercan al pasado, cómo pasan el tiempo e incluso cómo se divierten, aunque lo que está en juego es menor aquí. Cambiar a las víctimas de Candyman significa introducir un nuevo mundo social; en el ajuste de Cabrini-Green y la academia de la década de 1990, dos vastas redes, a las cenas y las conversaciones de exhibición de un puñado de artistas negros, curadores y patrocinadores de galerías, el mensaje circula entre un grupo más pequeño de personas.

La película de DaCosta es una crítica de un cierto segmento excluyente del mundo del arte sin otros personajes menos caricaturizados en los que la gente pueda invertir emocionalmente. Los artistas profesionales, y en realidad cualquier tipo de personas decididas, son insoportables de ver en la pantalla si sus pasiones no son atada a otros intereses estéticos o emocionales. Es decir, tienen que sentirse como personas reales, no como personajes comunes. Aunque Anthony tiene una historia de fondo significativa que se revela en la película, la audiencia recibe poca motivación del personaje más allá de su ambición. Mateen lo interpreta como energía pura y erizada, batiendo sus materiales, pintando con abandono, meditando y armando su furia con poca consideración por mucho más. Si se siente como un agujero negro emocional, es porque no ha escrito muy bien.

Si bien la actuación de Mateen es una sátira creíble de cierto arquetipo del arte-negocio, toda la película se siente construida con tipos unidimensionales, que se extienden desde los personajes hasta el paisaje urbano. Como señaló la crítica Angélica Jade Bastién en una crítica Revisión de buitre , La ciudad se representa aquí como en ninguna parte, Nueva York liviana, todos principalmente rascacielos e interiores anónimos. Como tantas cosas en la película, la geografía se ve obstaculizada por un encuadre, ritmo, tensión, evolución narrativa y opciones de paleta de colores deficientes. El enfoque de pintura por números de los realizadores del guión y su entorno de Chicago le dan a esteel hombre de los dulcesun sentimiento alegórico sin el encanto y el capricho estético asociado con muchas parábolas.

Otros temas este nuevoel hombre de los dulceslidia a medias con el trastorno de estrés postraumático y la herencia. Al encontrarse con la escena de un crimen, un personaje recuerda a su padre que se suicidó; antes de saltar, pregunta: ¿No sabías que tu padre podía volar? un aparente guiño al mito africano volador del folclore afroamericano, aunque uno que los guionistas no siguen realmente. Este encuentro agrava el impacto del descubrimiento del asesinato por parte del personaje, que lo lanza de regreso a esa instancia de violencia infantil. Cuando era niño, otro personaje es testigo de cómo la policía mata a un hombre negro dentro de una lavandería Cabrini-Green y luego experimenta otro asesinato impactante que está más cerca de casa. Cuando ese personaje crece, compra una lavandería. Sin embargo, otro personaje vuelve a un encuentro formativo con una violencia horrible y se siente destinado a repetir el pasado.

Pero, ¿qué argumento está haciendo la película sobre la agencia? Si la mayoría de los personajes principales de la película están destinados a ser superados por su trauma, ¿qué esperanza tuvieron y cuál es el punto de que veamos cómo se desarrolla todo esto? La gente suele repetir los pecados del pasado; es un cuento tan antiguo como el tiempo. Peroel hombre de los dulcesLos personajes se parecen más a algoritmos que a los humanos, ya que no se involucran de manera significativa con lo que los está haciendo actuar, o incluso intentan hacerlo. Se puede argumentar sobre la importancia de enseñar el pasado para que no lo revivas, pero estas figuras parecen no solo controladas por el pasado sino por la escritura de guiones; no son tanto personajes como portavoces de ideas. Candyman afirmó que era el susurro en el aula, pero los personajes de esta película no saben cómo susurrar; todo lo que hacen es la exposición de ladridos y Inglés Internacional de Arte. Hay poco espacio para los matices y la sutileza.

Si la mayoría de los personajes principales de la película están destinados a ser superados por su trauma, ¿qué esperanza tuvieron y cuál es el punto de que veamos cómo se desarrolla todo esto?

En una loca escena cerca del final de la película, un personaje pregunta, después de pronunciar un sombrío monólogo sobre la historia y la brutalidad policial: ¿¡No quieres un dulce !? en una cadencia campy que cualquier texto que no sea en mayúsculas y en cursiva no se aproximará realmente. Y esa secuencia torpe demuestra otra marcada diferencia entre las versiones de este cuento: la heroína del cuento de Clive Barker está interesada en la sociología y la estética, y la historia es un compromiso brillante con ambos, pero estoel hombre de los dulcesreboot es todo sociología, incluso cuando juega de boquilla a la estética del arte y los debates ideológicos que se asocian con ellos.

Lo más preocupante es que Anthony se encuentra entre aquellos a los que realmente no se les da la oportunidad de optar de manera convincente por la persona en la que se convierte. En la primera película, Helen opta por comprometerse con el mito de Candyman; ella se conduce hasta el punto de la locura. A Anthony no se le han dado muchas decisiones que tomar, una elección narrativa que se siente increíblemente sombría: no tener una oportunidad real de decidir lo que sucede en su vida es más una sentencia de muerte que lo que sea que esté tramando Candyman.el hombre de los dulceshace un punto interesante sobre la curiosidad en torno a las líneas raciales, con una abrumadora mayoría de los personajes negros de la película incapaces de imaginar la invocación del hombre del saco y, sin embargo, se encuentran en el camino de su destrucción. Los personajes blancos lo convocan. Pero, ¿por qué parece que son más activos narrativamente? Los personajes blancos parecen divertirse, incluso cuando (especialmente cuando) están parados frente a un espejo, posicionándose para su perdición. Pero casi todos los personajes de Black parecen despojados de la alegría de vivir, incluso antes de que Candyman llegue a ellos. Siempre están asustados. Y nadie parece tener en cuenta lo desordenado que es que Candyman haya elegido acechar a una comunidad negra cuando su problema parece estar en otra parte. Incluso si esa idiosincrasia es la forma ilógica del villano de representar la venganza, todavía se siente extraño que nadie lo comente. En la vida real, alguien Black podría haber señalado lo bastardo que es Candyman por su ira fuera de lugar; alguien más podría haberse burlado de su inclinación por las relaciones interraciales, antes y después de su muerte. Hay tan poco humor aquí que no se siente como un tratamiento auténtico de cuántos negros lidian con la crueldad existencial de estar en Estados Unidos.

Además, no hay mucho para disfrutar visualmente en la película. Claro, hay mucha información en cada toma: salas de estar llenas de lienzos coloridos y lomos de libros, papel tapiz intrincado y señalización de lavandería automática, pero pocos cuadros realmente vívidos o llamativos. Se siente como una elección que agrava la tristeza rutinaria del mundo que los espectadores ocupan durante más de 90 minutos. Aparte de la toma ocasional de deslumbrantes lofts con bordes de vidrio que parecen dioramas, o una toma amplia de un centro comercial que muestra la dinámica entre una tienda familiar y negocios aburguesados, la secuencia de apertura es la mejor presentación visual de la película completa: la cámara se desliza a lo largo de un grupo de rascacielos por la noche, con una panorámica continua desde abajo explorando siniestramente el enorme acero. La toma de ángulo bajo sugiere que algo se esconde en el horizonte y presagia el caos en toda la ciudad y el rigor mortis institucional, edificios e infraestructura demasiado inflexibles para ofrecer alivio.

El horizonte al revés lleno de niebla recuerda la primera línea de The Forbidden, el texto fuente delel hombre de los dulcesfranquicia: Como una tragedia impecable, cuya elegancia se pierde entre quienes la sufren, la geometría perfecta de Spector Street Estate era visible solo desde el aire. Esa secuencia es una traducción brillante de la desgarradora sensibilidad de esa oración. Desafortunadamente, la siguiente línea de Barker, una descripción de la urbanización pública donde se desarrolla la historia, también podría describir el problema central de la película de DaCosta: Caminando en sus lúgubres cañones, pasando por sus mugrientos pasillos de un rectángulo de concreto gris al siguiente, había poco para seducir la vista o estimular la imaginación. ●


Niela Orr es editora de el creyente,miembro del Black Mountain Institute y editor colaborador deel organistapódcast. Sus escritos han aparecido en New York Times Magazine, BuzzFeed, London Review of Books, Baffler y McSweeney's Quarterly, entre otros. Publicaciones.